Mentre le compagnie cinesi e il governo lottano per estirpare la loro fama oramai largamente consolidata di imitatori (tema già affrontato da VdA), il progetto di Droog Design dal nome significativo The New Original suggerisce che il processo di imitazione può andare oltre la mera replica nel momento in cui vengono messi in atto dei piccoli adattamenti che possono rappresentare un elemento di innovazione per quegli stessi oggetti copiati.

Gli oggetti in mostra includono una tradizionale teiera cinese con un manico più robusto e un ristorante cinese all’interno di una vasca per pesci. In totale saranno 26 gli oggetti in mostra che sono stati creati a Shenzen -che Droog ha soprannominato l’epicentro della cultura dell’imitazione- nell’ambito di un workshop organizzato dal Droog Lab. Tra i designers che vi hanno preso parte ci sono Richard Hutten, Ed Annink, Stanley Wong e Urbanus. La Direttrice e cofondatrice di Droog Renny Ramakers ha dichiarato in una recente intervista che si è raggiunto un livello tale di saturazione nel design e nel mercato che è tempo di pensare a come utilizzare tutto questo surplus e usarlo nella progettazione, e che in un certo senso l’imitazione può anche essere vista come ispirazione.

Ambienti caldi e luminosi per quello che un tempo era un'officina per auto. 230m2 con soppalco, travi a vista, piastrelle in vetro, cemento grezzo ed un altissimo soffitto con arredamento minimal e di redesign, tutto nel segno della condivisione d'idee, di espansione della propria rete di conoscenze e luogo di carattere dove ricevere i propri clienti.

Spazio che accoglie lo scambio di pensieri e progetti, dove giornalisti, avvocati, studenti, designer, grafici o architetti hanno il modo di potersi esprimere e confrontarsi. Un ufficio-casa nato dall'estro creativo dei suoi fondatori Christopher e Claire, che affermano ironicamente: "Io lavoro quando voglio, dove voglio" e "Io lavoro tutto il tempo, da solo, sul divano del mio salotto."

Inaugurato pochi giorni fa (3 maggio), il ristorante si ispira ai classici dinner americani degli anni '50. Infatti, ritroviamo pareti piastrellate e superfici di metallo e in parte - la forma allungata del locale si prestava a questa analogia - si ispira a un vagone ferroviario. Nella sala da pranzo i clienti siedono come su una carrozza di un treno: due file di sedili uno di fronte all'altro con il tavolino in mezzo. Le classiche piastrelle di cermaica 10x10 sono di una tonalità verde che ricorda una piscina. E così nei bagni, dove si alternano i colori giallo e bianco. Il pavimento è in ceramica effetto legno. I muri, dove non ci sono le piastrelle, e il soffitto sono in grigio scuro.

Lo sfondo scuro è punteggiato da lampade industriali per rafforzare l'effetto stazione ferroviaria. Ci sono numerose immagini tra tipografia e pittogrammi alle pareti, così come l'insegna frontale del ristorante, i menù, la segnaletica interna e anche il lettering dei cartelli con gli orari di apertura; tutto parte da un'immagine coordinata chiara e riconoscibile.

Foto di Victor Hugo.

Dal 6 al 10 maggio prossimo, a Roma, seguendo il format di Towant, negli studi di architettura di Agape, Arclinea, Corà Legnami, Dornbracht, Essequattro + nero3, Gaggenau, Kaldewei, Luceplan, Moroso, Stone Italiana e Tubes sono in programma aperitivi e attività di networking per scambiarsi idee su progetti e soluzioni.

Architetti, designer, giornalisti di settore, personale delle aziende partner, in un'atmosfera informale e semplice entreranno in contatto e relazione, in una specie di contaminazione creativa tra professionisti in relax.

Ecco le immagini dell’ArchitectsParty 2012.

I progettisti hanno convertito un vecchio silos (il n. 468) in un display luminoso ed in un affascinante spazio civico. La luce naturale, il vento e i riflessi di luce dell'acqua circostante caratterizzano i principi dell'idea di light architecture. L'enorme volume in acciaio (36m di diametro e 17m di altezza) è stato perforato da 2012 fori, numero prettamente voluto in memore all'anno in cui Helsinki è stata Capitale del Design nel 2012.

Gli interni sono dipinti di rosso scuro creando un gioco di ombre screziate e dinamiche. Di notte 1.250 LED bianchi vengono controllati da un software che crea un sistema di particelle che simula il movimento del volo degli uccelli, degli insetti o dei pesci. Un'animazione d'effetto necessariamente imprevedibile con una serie di movimenti leggeri che danno allo spettatore una rappresentazione visiva delle percezioni meteorologiche nella città.

Co.mo.do e Cibic hanno cominciato nel 2009 a collaborare per analizzare le opportunità che il design offriva per migliorare i lavori nel carcere. Una delle premesse da fare è che la maggior parte dei mobili che si trovano nelle prigioni italiane sono prodotte da una falegnameria nel carcere di Spoleto. Lavorando con un gruppo di detenuti addetti alla falegnameria, che in questo caso sono stati dei consulenti del progetto, sono venute fuori nuove idee sull’abitazione a basso costo,  su oggetti che devono essere multifunzionali, su spazi flessibili e adattabili a diversi utilizzi.

La cella in fondo è un modulo spaziale che deve essere più ambienti in uno e così gli oggetti devono per forza di cose essere adattati ad usi differenti. Così è nato il progetto Freedom Room: uno spazio più vivibile concepito per essere compatto e funzionale e adatto ad incontrare nuovi bisogni pur mantenendo la dimensione originale della cella 4x2,7 m. Un punto di partenza per immaginare le nuove celle italiane, ma potrebbe essere il modulo base di un hotel a basso costo, di un ostello della gioventù o di un'abitazione economica. Il primo prototipo di Freedom Room è stato esposto a Milano in Triennale durante la settimana del Salone del Mobile.

Nel 2010 il designer marsigliese Ito Morabito in arte Ora-Ïto – celebre per i suoi lavori con Renault, Louis Vuitton, Swatch, Adidas - ha rilevato la terrazza della Cité Radieuse trasformandola in un centro d’arte contemporanea. Dopo 3 anni di lavoro Ora-Ïto e lo Stato francese hanno riportato la struttura alla forma originale, progettata da Le Corbusier e poi, rimaneggiata nel corso degli anni ’50.

Lo spazio sarà la sede del MAMO, un centro d’arte contemporanea con un caffè, un negozio e una residenza per gli artisti. Il nome richiama le iniziali di Marseille Modulor, ma è anche un omaggio al MoMA di New York, che ha in programma un'importante retrospettiva sull’architetto svizzero: “Le Corbusier: un atlante del paesaggio moderno”. Il MAMO verrà inaugurato a giugno 2013 in occasione delle celebrazioni di Marsiglia come capitale della cultura 2013, con la mostra dello scultore Xavier Veilhan che realizza installazioni architettoniche site-specific.

Il Museo incarna alcune delle idee formali e concettuali che definiscono la poetica dello studio di architettura - con sede a Pechino - MAD, ovvero il portare in un contesto quotidiano un’espressione architettonica che parte da un concetto naturale ma poi lo sviluppa in maniera astratta. Così, in questo edificio di 13 mila mq le frontiere tra solido e liquido si confondono con un riferimento al paesaggio locale.

L’esterno è coperto da lastre di alluminio che riflettono gli esterni e la luce che cambia. I muri esterni assicurano la minor dispersione di calore possibile mentre le aperture che seguendo la forma movimentata sono disseminate nei punti più strategici assicurando così sufficiente luce naturale alle tre grandi hall all’interno. Il museo ospita sculture lignee locali così come dipinti di paesaggio con raffigurazioni dei rigidi inverni locali. Il museo nel contesto urbano è un punto di rottura. In un certo senso rompe la noiosa griglia urbana circostante rivitalizzando l’intorno con una nuova attrattiva culturale.

Giorgi Khmaladze, un architetto locale, ha progettato in una delle zone di recente urbanizzazione della città, un volume polifunzionale vetrato dalla forma sfaccettata con un giardino all’interno. Il volume, volutamente costruito in uno spazio  ristretto, ha scaturito questa forma bizzarra; un oggetto notevole che si estende per diventare la pensilina di una stazione di rifornimento. Dal lato opposto c’è l’accesso  fiancheggiato da due vasche d’acqua a un Mac Donald. Dalla lobby del ristorante si sale e i tavoli sono disposti sulle varie terrazze fino ad arrivare ad uno spazio semi circolare bordato da un giardino interno e in salita poiché, si trova sulla parte superiore della pensilina che copre il distributore.

L’architetto ha saputo sfruttare i diversi spazi incastrando diverse utenze nello stesso volume e allo stesso tempo ha saputo distinguerli tramite i diversi accessi al pubblico, come quelli a livello del piano terra, nella parte opaca (rivestita di piastrelle) tra il Mac Donald e il distributore, dove sono contenuti i servizi.

L’edificio in questione non è un organismo centralizzato ma è generato dalla connessione di diversi ambienti che si susseguono l’un l’altro e sono disposti tra loro in diverse combinazioni: una sorta di pattern geometrico che si ripete. Le stanze esagonali creano un percorso sinuoso attraverso l’edificio e ogni spazio può essere usato sia come area espositiva che come spazio creativo. Muri, soffitto e pavimenti sono tutti in cemento armato evocando, in parte, uno spazio industriale. Allo stesso tempo il cemento si offre come uno sfondo neutro su cui intervenire in maniera creativa.

Degli “imbuti” esagonali scendono dal soffitto per fare entrare la luce, e aperture più piccole lungo le pareti che contribuiscono anch’esse all’illuminazione naturale. Queste aperture riprendono il pattern esagonale e alla notte le aperture sul lato lungo il fiume Guadalquivir vengono illuminate con dei LED come la facciata progettata dallo studio tedesco Realities United. Oltre agli spazi espositivi, il centro ospita workshops, laboratori per gli artisti, un auditorium, il caffè e la mediateca.

Qui, un link di un bel video sull'edificio realizzato dallo studio grafico spagnolo Taller de Casqueria.